CHYZ 94.3

Ajouté par : Alicia Beauchemin

 «Une pièce vibrante. Qui exalte les corps». Telle est la phrase qui définit parfaitement le spectacle 73 Nord, présenté hier soir à la salle du Complexe Méduse de Québec. Ce spectacle dirigé par la chorégraphe et directrice artistique Chantal Caron, se compose de 7 artistes sur scène. Cette chorégraphe qui demeure et travaille à Saint-Jean-Port-Joli, puise son inspiration des oiseaux, du fleuve ainsi que des divers éléments de la nature qui se retrouvent et composent les rives du fleuve Saint-Laurent.

Par Alicia Beauchemin

 

Chantal Caron a créée son spectacle 73 Nord en représentant la quête difficile et remplie d’obstacles que les oies blanches vivent durant leur but ultime, soit atteindre le 73 parallèle au nord afin de réussir leur nidification. Le spectateur observe ainsi des danseurs imitant de façon très réaliste l’oiseau migrateur. On y croit réellement à ces grands volatiles. Beau et touchant. Le spectacle débute tranquillement, doucement, en dévoilant les artistes dansant face contre terre. Agitant un bras ou une jambe en groupe, le tout teinté de finesse et de minutie. Puis, le groupe de danseurs se déplacent sur scène, imitant la couvée de l’oiseau en passant par la naissance des petits et à l’éclosion des oisillons. Plus le spectacle avance dans le temps et plus la montée dramatique s’installe. On passe maintenant à l’évolution même du volatile, à l’opposition de la lutte de sa survie et de son accouplement. La musique et l’éclairage change, devenant plus intense, plus violent.

 

 

Le spectacle de Chantal Caron pousse davantage le genre en insérant des mouvements primitifs et saccadés dans la danse, ainsi que des bruits d’oiseaux poussés ici et là par les chorégraphes. Déstabilisant. Totalement. Oui, je l’avoue humblement, ceci m’a complètement déboussolé, moi simple spectatrice. J’ai été davantage ébranlé par les cris stridents que par les mouvements robotiques des danseurs. Je dirais même que les bruits m’ont plutôt choqués. Puis graduellement, plus le spectacle défile, plus on s’habitue à ces cris sourds qui rendent la pièce davantage réaliste. 73 Nord, s’avère une pièce teintée de réalisme précis, compté. En fait, je crois que c’est ceci qui m’a totalement désorienté, voir les danseurs imiter l’oiseau avec perfection. Le spectacle demeure extrêmement riche par la qualité de la recherche que Chantal Caron a entrepris pour produire son œuvre, 2 ans de recherche et d’expérimentation lui on fallu pour construire 73 Nord. Et c’est cette particularité qui intensifie la beauté de la pièce, la réalité qui colle à la peau des danseurs s’avère incroyable. La pièce 73 Nord éblouit l’auditoire tant par la précision des mouvements que par ses contrastes violents et provocateurs que les danseurs utilisent pour construire le spectacle.

 

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73° NORD
FLEUVE | ESPACE DANSE / Chantal Caron / Saint-Jean-Port-Joli / Sept artistes sur scène

17.18.19 JANVIER 2013 / 20 H / 60 min
MÉDUSE - SALLE MULTI

Ajouté par : Marie-Ève Muller

 Critique du spectacle de BJM DANSE
Ballet Jazz Montréal Danse (BJM Danse) était de passage au Grand Théâtre pour faire rougir Natalie Portman dans Black Swan. Avec les trois pièces Locked up Laura, Zip Zap Zoom et Rossini Cards, la troupe a su démontrer sa versatilité et sa maîtrise technique de la machine la plus complexe : le corps humain.
Marie-Ève Muller

Lorsqu’on va voir de la danse, que ce soit du ballet ou du contemporain, il ne faut pas chercher à comprendre ce qui se passe devant soi : il faut ressentir. Ressentir la sensualité des corps qui se frôlent, souffrir la colère dans une pointe cassée, frissonner devant un duo en parfaite symbiose. Alors quand la salle se plonge dans le noir et que le rideau de velours se lève, il faut savoir se laisser aspirer par ces histoires sans paroles.
La première pièce, Locked up Laura, interprétée par Céline Cassone et James Gregg, exprimait la dure réalité des danseurs. Leur corps, leur instrument de travail, est loin d’être éternel. Surtout du côté des femmes, lorsque le corps n’est plus au sommet de sa beauté, la ballerine est échangée pour une fleur plus brillante. Comme une marionnette, Cassone se laisse contrôler par son partenaire, fort et droit. La danseuse invitée traduit la lassitude à la perfection.

La deuxième pièce m’a rappelé ma haine de la surutilisation des projections vidéo. La troupe veut rajeunir son image, soit. Mais de là à faire une chorégraphie sur les jeux vidéos, d’intégrer des mouvements hip-hop, de la musique rap-slam-électro et de projeter des images pouvant causer la mort à des épileptiques, il y a un pas. Pourtant, durant la chorégraphie de 22 minutes, plusieurs interprétations valaient la peine, dont celle de Cassone, seule avec son ballon d’hélium.

Rossini, Comedia del Arte et splendeur
Évidemment, le meilleur avait été gardé pour la fin, avec la pièce Rossini Cards. La chorégraphie de 52 minutes se présentait en différents tableaux, en solo, en duo, en trio ou en collectif.
Pour une fois, la chorégraphie ne séparait pas en stéréotype les hommes et les femmes. Tous en vestons, les danseurs s’exécutaient de la même façon, peu importe ce que cachait leur culotte. Plus près du ballet classique, cette pièce reprenait des morceaux des opéras de Rossini et un soupçon de comedia del Arte dans l’interprétation qui n’a pas manqué de déclencher des éclats de rire parmi les spectateurs.

Qui a dit qu’une orgie devait être grotesque? Les treize danseurs, attablés en sous-vêtements beiges, ont dansé assis. Le synchronisme de leur bras, l’absence d’émotion dans leur visage, les chandeliers ébranlés par leur mouvement, tout faisait référence à un souper charnel sans pour autant être explicite.

Finalement, il faut souligner le fracassant duo de Nathan Madden et d’Andie Massaza, où on voyait disséquer la maladresse des premiers ébats amoureux. Ou encore cette interprétation trop juste d’Alexandra Gherchman qui décompose ses mouvements, qui flexe ses pieds au lieu de les pointés, qui crie, souffle, tape du pied.

On craque pour :
-Les costumes d’Helena De Medeiros
-La performance ahurissante de Céline Cassone
-La pièce Rossini Cards

On détourne le regard :
-Des effets vidéo un peu trop marqués de Zip Zap Zoom
-De la lecture style « théâtre d’été » d’une recette de Rossini.

 Crédit photo: Grégory Bartandon et William Hébert.

 

Ajouté par : Joëlle Cloutier

 HIBIKI - SANKAI JUKU

 

Hibiki (Lointaine résonance), un spectacle de danse butô présenté par la compagnie Sankai Juku, a été offert une seule fois au public du Grand Théâtre de Québec lundi le 27 septembre 2010. Aux commandes de la troupe, Ushio Amagatsu, le célèbre récipiendaire de plusieurs prix dont le Geijutu Sensho en 2004 pour son accomplissement artistique et le 26e prix Laurence-Olivier en 2002 pour la meilleure production chorégraphique pour Hibiki.

Le butô est une danse contemporaine japonaise méconnue qui tire ses origines des religions bouddhiste et shintoïste. La concentration du butôka en est la principale difficulté étant donné la nature de cette danse qui ressemble étrangement à une séance de méditation. Caractérisé par la lenteur et la densité, le butô se révèle une exploration du corps par l’esprit et une prise de conscience sur les liens qui unissent l’enveloppe charnelle à la terre. Les danseurs n’utilisent pas leur corps comme moyen d’expression tel la plupart des lignes de pensées chorégraphiques, ils font abstraction du message au profit de l’introspection et de l’énergie prodiguée par l’environnement, d’où le nom de la performance, « Résonance » :

« Le danseur est amené à percevoir sa peau comme un lieu d’intersection et de dialogue entre les mondes intérieur et extérieur. À travers l’utilisation d’images poétiques, le travail de recherche vise l’accès aux réalités mythiques et archétypales, dans des danses qui tendent vers un rituel magique et tellurique, amenant le danseur à tirer son énergie d’un contact étroit avec la terre, considérée source naturelle de la vie. »  Source ICI

Sur scène, la chorégraphie d’Amagatsu choisit la spiritualité du mouvement plus que son esthétisme, donc le pourquoi prévaut contre le quoi. Son style puise surtout dans une immobilité dérangée par des mouvements ondulatoires et obstinés des bras et des mains, qui s’apparentent à la chironomie, et dans un jeu de jambes quasi absent. Le spectacle repose sur l’endurance de l’esprit puisque le butô n’est pas une danse musculaire. Peu de gestes techniques, de démonstrations de la force physique ou de mouvements éclatants. Six hommes un brin androgynes au crâne rasé, le corps poudré, à demi nus, nous dévoilent leur âme dans ce qu’il y a de plus monastique, presque fanatique. Une musique accompagne la poésie des artistes avec des sons quelconques de violon, des harmonies de piano et des bruits de gouttes, que l’on peut caractériser de new-age ou de musique minimaliste. Minimaliste, tout comme le décor d’ailleurs qui se résume en de grandes coupelles de verre dans lesquelles tombent des gouttes d’eau.

Hibiki est une présentation hautement dépaysante, qui vaut la peine d’être comprise. Le public, déstabilisé ou voyeur, s’est manifestement laissé emporter par cette mise à nu de l’âme des danseurs et cette vague poétique signée Amagatsu. Cependant, malgré toute l’intensité artistique derrière cette œuvre, elle reste pour les spectateurs avertis, curieux et très ouverts à la profondeur et à l’abstraction.

 

Julie Pelletier, rédactrice Web pour CHYZ 94,3 FM