CHYZ 94.3

Les Dames de Dagenham – Ode à la solidarité féminine – Nouveauté au CLAP
Par Sheina Simoneau

Les Dames de Dagenham est une comédie dramatique basée sur le début de la bataille des femmes pour l’équité salariale. Le réalisateur, Nigel Cole, qui se dit très intéressé par la place des femmes dans la société (il a d’ailleurs réalisé Le calendrier des girls et Saving Grace) a choisi Sally Hawkins et Bob Hoskins pour incarner les personnages principaux.

L’histoire du film se déroule en 1968, à Dagenham, en Angleterre, où la compagnie Ford est le principal employeur. 187 femmes y travaillent comme couturières pour le rembourrage de sièges de voiture. Contrairement aux employés masculins de chez Ford, ces femmes font énormément d’heures supplémentaires dans une usine non climatisée avec un toit qui fuit. En plus de travailler dans des conditions difficiles, elles touchent un salaire qui représente un peu moins de la moitié de celui des hommes parce qu’elles sont des femmes et qu’elles sont reconnues comme des employées non spécialisées sur l’échelle salariale de Ford.

Rita O’Grady, interprétée par Sally Hawkins, décide de motiver le groupe de femmes à entamer la première grève contre la discrimination sexuelle du salaire. Leur grève engendre des pertes substantielles pour Ford : environ 8 millions de livres en trois semaines. Les dirigeants de l’entreprise n’ont d’autres choix que de revoir leur position.

Le film Les Dames de Dagenham m’apparait comme une ode à la solidarité féminine. Même si les hommes tentent de les dissuader en leur mettant des bâtons dans les roues, aucune d’entre elles ne se soumet à l’autorité masculine. Aucune de ces femmes ne doute du bien-fondé de leur démarche. Elles sont confiantes, audacieuses et, surtout, solidaires. C’est ce qui se révèlera être la clé de leur réussite.

ON AIME
- Le sens que Nigel Cole a donné à la discrimination sexuelle : il ne touche pas à l’éternelle opposition entre les hommes et les femmes. Il met plutôt l’accent sur l’injustice dont les femmes sont victimes et sur l’importance du soutien de toute la population, hommes et femmes, pour enrayer le problème.
- Le traitement cinématographique du film : le gros grain de l’image qui réfère aux années 60, la musique, les costumes, les paysages. Regarder le film, c’est voyager dans le temps.
- Le fait qu’on puisse découvrir (ou redécouvrir) la conviction des femmes de l’époque, leurs relations avec l’autorité, leur conception de la conciliation travail-famille ainsi que leur perception de la mode et l’arrivée du minishort…

À titre personnel, je juge que Nigel Cole aurait eu avantage à utiliser les images tournées lors des évènements réels (images qui sont rassemblées dans le générique). S’il les avait intégrées au long métrage, je pense que le récit aurait été plus ancré dans la période historique et aurait suscité plus d’intérêts. Souhaitons qu’il y ait songé pour la sortie du film en DVD!
 

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Howl À l’affiche au Clap depuis le 7 janvier 2011
Film réalisé par Rob Epstein et Jeffrey Friedman. Mettant en vedette James Franco

Critique de Sheina Simoneau

Howl est un drame biographique sur la vie du célèbre poète Allen Ginsberg. Son œuvre principale, écrite en 1955, a donné le titre au film.
Ginsberg est incarné par James Franco (un acteur assez connu qu’on a pu voir, entre autres, dans Il était une fois James Dean, où il incarnait James Dean et aussi dans la série de Spider-Man, il jouait le méchant attachant Harry Osborn.

En français, howl signifie hurler. Dans cette œuvre, l’auteur dénonce les conventions d'une Amérique étroite d’esprit. Ses proses sont jugées obscènes et ont créé un scandale littéraire parce que Ginsberg aborde des sujets très tabous pour l’époque : la sexualité débridée, la consommation de drogue, l’opposition au gouvernement… Son audace lui vaut même un procès et la censure.

Howl, le poème, est marqué par le modernisme, les rythmes et la cadence du jazz et de la pop, de la foi bouddhiste et de l’homosexualité de son auteur. Howl, le film, est empreint de l’esprit du poème tout en étant construit sur quatre temporalités qu’on peut distinguer par le traitement visuel : l’interview de Ginsberg et le procès de son œuvre est en couleur, son passé est en noir et blanc et son poème est imagé par de l’animation. On se laisse transporter dans les différents univers tout doucement, comme une danse. Il n’y a rien de saccadé ou d’étourdissant. C’est l’animation, faite de couleurs vives, qui ajoute la petite étincelle au long métrage.

On n’aime pas
- Si on ne comprend pas l’anglais (le film est sous-titré en français) on ne peut pas réellement apprécier les subtilités de la poésie de Ginsberg, la musicalité des mots, le double sens des images.
Mais on aime!
- L’impeccable interprétation de James Franco : on sent vraiment le côté cérébral de Ginsberg, toujours dans sa tête, à réfléchir sur les mots et sur ce qui l’entoure. On sent aussi son côté très mystérieux, un peu weird. Le jeu de Franco est juste et authentique. Je me suis facilement détachée de l’acteur pour me laisser transporter par le personnage.
- Le rapport qu’avait l’autorité avec l’art controversé, l’art revendicateur comme celui de Ginsberg. Le jugement de ces gens, la pudeur qu’ils avaient face à certaines réalités, la révulsion qu’ils éprouvaient par rapport à ce qu’ils ne comprenaient pas.
En fin de compte, ce film n’est pas le divertissement idéal pour relaxer ses neurones. Mais il est idéal pour les amoureux de poésie et pour ceux qui sont de nature curieuse!
 

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Låt den rätte komma in (titre original suédois)

Attention spoiler : ne lisez pas la suite si vous voulez être surpris(e) par ce film! (Je crois que c'est mieux de ne rien savoir sur celui-ci avant de le regarder...)

Bon maintenant que vous êtes avertis, Vampire! Vampire! Vampire! Eh oui un vampire doit être invité pour pouvoir entrer dans une demeure, d'où le titre du film. Le scénario de ce film est très loin de l'idée romantique des vampires de Twilight, ou et des vampires hyper-sexués trash de True Blood.

L'histoire en quelques mots. Dans la Suède des années 80, Oscar, un garçon de 12 ans, se fait régulièrement taper dessus à l'école. Il encaisse les coups sans rien jusqu'à ce que l'arrivée d'une nouvelle voisine, une petite fille de son âge prénommée Éli, change la donne. Auprès de l'étrange Éli, Oscar trouve l'amitié. Peut-être même l'amour. Mais il entre aussi dans un monde où il peut, pour la première fois de sa vie, rêver à sa revanche.

Tout se déroule de manière très lente, ce qui laisse un grande place à la photographie. Le paysage enneigé d'un HLM suédois convient parfaitement à l'atmosphère froide et, n'ayons pas peur des mots, bizarre de la situation. Bien des choses ne sont pas montrées dans ce film; c'est pourquoi le suspense marche si bien.

Même si en apparence ce film semble s'éloigner des archétypes du film d' horreur, il en utilise un de ces principes fondamentaux :  laisser beaucoup de place à l'imagination. La scène finale à la piscine en est un parfait exemple.

Définitivement un film à voir, que vous soyez amateurs du genre ou non.

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Écoutez la chronique "La Biblio de Clo"

les Jeudis 17h00, aux deux semaines à Chéri(e), j'arrive!

Prochaine chronique: 10 décembre - Noémie

Noémie – Le secret : Tibo au cinéma familial

Décidément, grand-maman Lumbago devra outrepasser sa hantise de l’objectif, car sa petite « Noémie fait son cinéma », sur papier comme sur pellicule! Parmi plus de trois cents personnages que l’écrivain Gilles Tibo a imaginés, souvent dessinés, et toujours aimés, il choisit l’intrépide Noémie pour vedette de l’automne littéraire! Sa présence dans la rafraîchissante autofiction Moi, Noémie et les autres (hors série), doublée d’une 19e aventure romanesque intitulée Noémie fait son cinéma, aura comblé ses fidèles lecteurs en 2009. Pourtant, cette année, l’héroïne chouchou des sept ans et plus ne se contente plus des livres : elle prend vie au grand écran dans le film familial Noémie – Le secret.

Le scénario du long métrage québécois s’inspire des quatre premiers romans de la série signée Gilles Tibo. Noémie entame une véritable chasse au trésor dans l’appartement de sa voisine d’en haut, Madame Lumbago, qui s’avère une gardienne accommodante et bienveillante. Sa quête est motivée par les indices excentriques que lui a laissés le défunt Monsieur Lumbago au sujet d’un trésor caché chez lui. Les recherches de la curieuse Noémie et de son fidèle ami Francis déboucheront sur plus d’un secret concernant le monde des adultes.

Deux parties bien distinctes structurent l’histoire de Noémie – Le secret et déterminent les deux volets de cette critique mi-négative, mi-positive. La première correspond à la chasse au trésor, véritable avalanche de péripéties qui se termine au milieu du film. La trame ici développée très rapidement – peut-être trop – possède bien la qualité de capter l’attention des petits grâce à ses multiples rebondissements, mais elle demeure superficielle. De plus, cette esthétique rythmée mais expéditive donne lieu à un jeu inégal, peu senti et théâtral chez les deux actrices principales, Camille Felton (Noémie) et Rita Lafontaine (Madame Lumbago). Un obstacle de taille à la crédibilité des personnages et au réalisme de leur relation privilégiée.

Mais la tendance s’inverse lorsque, une fois le trésor en espèces découvert, l’intrigue enfantine tourne à la comédie familiale. S’enclenche alors une quête identitaire plus profonde et beaucoup plus fascinante autour de Madame Lumbago qui réserve de bouleversantes surprises à Noémie. Paradoxalement, ce ralentissement de la trame donne une impulsion bienvenue au scénario qu’on est soulagé de voir enfin approfondi. Peut-être mieux inspirées par le mystère que par le rocambolesque, les actrices Felton et Lafontaine livrent les performances convaincantes et touchantes que le public attendait; se joint à elles une Marina Orsini (Jeanne) plus belle, plus nuancée et plus charismatique que jamais, dans son rôle de mère préoccupée mais sensible.

Il s’agit donc d’un divertissement familial qui répond aux attentes qu’il a suscitées, mais qui ne porte aucune marque de singularité artistique. La réalisation impersonnelle de Frédérik D’Amours liée au scénario chargé de Marc Robitaille contente, mais n’émerveille pas. De surcroît, il est à noter que quelques images inutilement horrifiantes captées dans le grenier de Madame Lumbago effrayeront probablement les enfants de moins de huit ans. Cependant, par sa fidélité à l’univers à la fois doux et mordant de Gilles Tibo, Noémie – Le secret remplit sa mission : combler de plaisir le cœur des petits et des grands, comme un beau cadeau de Noël.

À voir sans snobisme à partir du 11 décembre 2009.

www.noemielesecret.com

Claudia Raby

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La fascination du voyage dans le temps est de retour dans l’œuvre du réalisateur de Back to the futur et de Forrest Gump. Robert Zemeckis adapte fidèlement la célèbre histoire de Charles Dickens parue en 1843, Un conte de Noël. Même si l’intrigue est archi-usée, le réalisateur américain prouve encore une fois que la maîtrise des effets spéciaux permet de revisiter une œuvre aussi récupérée soit-elle. Parce que la magie de Noël, c’est la magie de Noël.

Après Tom Hanks dans The Polar Express et Ray Winstone dans Beowulf, c’est au tour de Jim Carrey de se prêter au jeu de Zemeckis à l’aide de la captation numérique. Carrey se glisse ici dans la peau de nombreux personnages dont le célèbre Ebenezer Scrooge. Les capteurs disposés sur le corps de l’acteur ont permis de transposer ses mouvements dans l’univers industriel londonien de la première moitié du 19e siècle.

Ebenezer Scrooge, un agent de change égoïste et vaniteux, reçoit la visite de trois fantômes à la veille de Noël. Parmi les ombres passées, les visions de son propre présent, et l’annonce de la mort, Scrooge perçoit les véritables enjeux du don de soi.

Les nombreuses mimiques faciales de Jim Carrey plairont ou agaceront, c’est selon. Pour vivre l’expérience à fond, la version Imax 3D est recommandée. Les jeux de perspectives plairont à un large public. Dans cette version, les magnifiques envolées dans le Londres de 1842 sont à voir. La musique est signée sans surprise par Alan Silvestri.

En version Imax 3D et dans les cinémas traditionnels dès le 6 novembre.

Pour les cœurs plus «scroogiens», une version adulte, moderne et plus cynique existe du conte de Noël, le film Fantôme en fête (Scrooged) avec Bill Murray sorti en 1988

* * * * *

Un conte de Noël (V.f de A Christmas Carol)

Film d'animation de Robert Zemeckis, adapté du roman de Charles Dickens, Disney, 2009

Stephane Roby est chroniqueur cinéma à Chéri(e) j'arrive!

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Passer un doigt à une fille sans savoir ce que c’est. Voilà un mensonge parfait trouvé par Ricardo Trogi préadolescent pour impressionner ses futurs amis : le gang vêtu de «kiwis» rouges.
 

C’est que l’auteur de «Québec-Montréal» et «Horloge biologique» nous raconte avec ironie et sensibilité l’époque de ses 11 ans. Autobiographique donc, le scénario est pour la première fois 100 pourcent Trogi. 75% faits vécus et 25% fiction, ou tiré de d’autre époque de sa vie. Le prétexte : un déménagement d’une banlieue à une autre, d’Ancienne-Lorette à Cap-Rouge. Secteur plus aisé économiquement.
Faute d’assumer sa condition de «classe moyenne» et son gros cul, en autre, le jeune Ricardo du film, interprété avec délice par Jean-Carl Boucher (Un été sans point ni coup sûr, série télé Tactik), emploie le mensonge pour séduire les autres.

Entre un père anesthésié par la télé (Claudio Colangelo), une sœur obnubilée par son chat Caramel et une fille idéalisée dans sa classe à l’école primaire, c’est la mère (Sandrine Bisson) qui offre la saveur au film. La confrontation viendra de là. Parce que mentir a des conséquences.

La confrontation avec la mère après un flux insupportable de mensonges, de comportements égocentriques et matérialistes de la part du fils est le moment le mieux senti du film, la scène «oscarisable». L’essentiel est invisible pour les yeux, voilà ce que le jeune Petit Prince-Ricardo saisira (même si Trogi n’a pas lu le Petit Prince jusqu’à la fin!). Cette tension évacuée, le film prendra le tournant de tous les films de Trogi, l’importance de l’amitié, de la famille qui exige un devoir : celui de prendre ses responsabilités.

Si la banlieue est un sujet dépassé et nostalgique comme dans une chanson des Cowboys Fringants, les nombreux «Flashbacks» humoristiques du film viennent appuyer l’imaginaire de Trogi et permettent ainsi à l’œuvre de sortir de cet ordinaire sordide tant vu au cinéma.

Le cinéaste cherche encore ici à être rassembleur. Les besoins de l’adolescent sont universels depuis Socrate, certes, mais Candy, le principe du catalogue distribution aux consommateurs, la domination des Oilers d’Edmonton, Kiss, etc. ne signifient que peu de choses à son public consacré.

Toutefois pour ce public, le diable étant dans les détails, ce sont eux qui donnent l’âme au film : la professeure de primaire qui fume en classe, le jeu «opération» en arrière plan, les petits jus de chez Perrette.
La narration en voix off assurée par Ricardo Trogi lui-même est le problème central du film. Une voix sans charisme, faussement hésitante et un peu bout de la langue. Le souci d’authenticité n’exige pas une telle décision (selon Le Devoir, c’est sur conseil de son agent).

La mode étant présentement aux «nineties», le retour aux années 80 semble perde son souffle depuis longtemps au cinéma depuis le populaire «The wedding singer» sorti en… 1998. Mais bon, le réalisateur souhaitait faire «Québec-Montréal» et «Horloge biologique» avant. Qui s’en plaindra.

1981 de Ricardo Trogi, en salle dès le 4 septembre.

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Film de Safy Nebbou, avec Catherine Frot et Sandrine Bonnaire.

Lorsqu’Elsa (Catherine Frot) croise le regard de Lola, âgée de 7 ans, elle y reconnaît celui de Lucie, la petite fille qu’elle a perdue lors d’un incendie survenu à l’hôpital, quelques jours après son accouchement. Impossible à accepter, le vieux deuil jamais terminé engendre une véritable obsession chez Elsa qui s’introduit sournoisement dans la vie de Claire (Sandrine Bonnaire), la mère de Lola, et de sa famille.

Ce deuxième long métrage du réalisateur du Cou de la girafe (2004) ne se présente pas du tout comme une adaptation – même libre – du roman éponyme de l’écrivaine canadienne Nancy Huston. Safy Nebbou et Cyril Gomez-Mathieu, scénaristes, s’inspirent visiblement d’un seul passage de l’œuvre littéraire, celui qui en justifie le titre : « C’est ici […] que l’ange pose un doigt sur les lèvres du bébé, juste avant la naissance – Chut! – et l’enfant oublie tout. Tout ce qu’il a appris en paradis. Comme ça, il vient au monde innocent. » (Huston, 1998, p. 191)

Vous l’aurez déjà compris grâce au synopsis : le motif de l’empreinte de l’ange et sa symbolique ne constituent que le point de départ à la création d’un suspense psychologique dont plusieurs critiques ont comparé – avec raison – la mécanique à la facture hitchcockienne. En effet, L’Empreinte de l’ange tient du thriller sa focalisation obsessive qui maintient la tension narrative avec brio, jusqu’au retournement de situation. Même s’il effleure la frontière du cliché, ce retournement reste très apprécié. Comme le dénouement surprenant d’une bonne nouvelle littéraire, on l’attend pour le plaisir d’être déstabilisé. Paradoxe délectable.

Les faiblesses du scénario de L’Empreinte de l’ange et de son traitement à l’écran relèvent plutôt de la thématique douteuse de l’instinct maternel qui génère une symbolique de l’eau redondante et agaçante. Le postulat selon lequel la mère reconnaît instinctivement son enfant, sur fond de piscines, de bains et d’immersions, rappelle l’imagerie des théories freudiennes que la réalité ne corrobore pas toujours… Toutefois, il faut avouer qu’on s’en laisse aisément bercer le temps de la fiction.

L’Empreinte de l’ange de Safy Nebbou demeure un bon divertissement, sans autre prétention. Mais si la trame et l’esthétique du film présentent quelques failles, le duo d’actrices formé par Sandrine Bonnaire et Catherine Frot frôle la perfection. On apprécie la délicatesse doublée de froideur chez Bonnaire; et surtout, on se délecte du jeu subtil et nuancé de Frot qu’on redécouvre dans un nouveau registre, ici dramatique plutôt que comique. Ces deux présences talentueuses valent à elles seules le détour et le billet, puisque ce sont elles, les anges!

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Betty, une escorte de luxe de 23 ans, passe quelques jours dans un village à plusieurs heures de route de Montréal car elle doit trouver celle qui prendra sa place. Elle se lie rapidement d'amitié avec Léa, jeune adolescente tranquille. Après quelques jours à parler de sa vie rêvée en ville et à faire découvrir à Léa les plaisirs de l'alcool et de la drogue, Betty lui propose un petit voyage à Montréal. Sans trop le savoir, Léa s'apprête à suivre les traces de sa mystérieuse amie.

Derrière moi est le deuxième long métrage du réalisateur québécois Rafaël Ouellet. Il aborde le sujet délicat du recrutement dans la prostitution, sans tomber dans les clichés. L'adolescente ne croule pas sous la naïveté; elle refuse certaines choses et pose parfois des questions. Mais, elle est quand même attirée par ce que lui raconte Betty. On la comprend, car à certains moments, cette vie à l'air plutôt intriguante. Ouellet réussit à nous embarquer dans cette relation intime, avec beaucoup de plans rapprochés et d'images sombres qui ne laissent qu'un peu de lumière sur les visages de ces deux jolies jeunes femmes. Carina Caputo et Charlotte Legault jouent à merveille cette amitié à la fois intense et malsaine. Une histoire à voir, qui fait réfléchir sur jusqu'où peut mener la vulnérabilité et le goût de l'aventure.
 

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