CHYZ 94.3

 « Marc Hervieux interpète un Brésilien qui a le coeur à la fête et qui entraîne les spectateurs dans une ambiance endiablée (Photographie Louise Leblanc, Gracieuseté de l'Opéra de Québec) »

Pour clore sa saison en beauté, l’Opéra de Québec offre ces jours-ci l’une des opérettes les plus connues de Jacques Offenbach : La Vie parisienne. Véritable explosion festive, cette opérette se veut une évocation de la vie mondaine parisienne du Second Empire. Au menu : festin, musique, insouciance et éclats de rires.

Dès le début, l’Orchestre symphonique de Québec, conduit de main de maître par Jean-François Rivest, nous entraîne dans l’univers coloré d’Offenbach. Au levée du rideau, la Gare de l’Ouest se déploie dans toute son élégance et sa modernité pour faire place à la musique. Et c’est bel et bien la musique qui est reine de la soirée. Les airs d’Offenbach sont admirablement rendus par les solistes. Robert Huard nous offre d’ailleurs l’un des meilleurs moments de la soirée lorsqu’il entame son «Je veux m'en fourrer jusque là » au cours du deuxième acte. La salle croulait littéralement sous les rires du public. De même, Pascale Beaudin nous offre une Gabrielle à la voix suave et offre des airs tous plus mélodieux les uns que les autres.

Seule ombre au tableau : la mise en scène ne s’avère malheureusement pas à la hauteur des attentes. Alors qu’on s’attendrait à voir surgir un chœur vêtu de costumes élégants et colorés prêt à participer à la fête déjantée à laquelle Offenbach convie le public, on a droit à des choristes blafards, vêtus de couleurs sombres et aux mouvements saccadés. Les employés du chemin de fer, les touristes venus visiter Paris et les convives de Raoul de Gardefeu ont davantage l’air d’une troupe de zombies maladroits que de gais fêtards. Les projections s’avèrent également décevantes. Une fois sortis de la Gare de l’Ouest, les protagonistes se retrouvent sous la Tour Effel lorsqu’on évoque Paris, dans des nuages qui voyagent lors du duo « L'amour est une échelle immense » et devant le portrait d’un colonel lorsque Pascale Beaudin entame « Je suis veuve d'un colonel ». On se serait attendu à davantage de subtilité de la part d’un metteur en scène de la trempe d’Alain Gauthier. Voir des assiettes qui apparaissent sur une table alors que les protagonistes évoquent leur appétit ne tient pas de la sophistication à laquelle l’Opéra de Québec nous a habitués. Qui plus est, la distribution étonne par son caractère particulièrement local. Alors que l’Opéra de Québec est habitué de compter dans ses distributions des chanteurs de premier plan venus d’ailleurs comme John Fanning et Richard Margison, l’ensemble des chanteurs – à quelques exceptions près – proviennent cette fois-ci du Québec.

Heureusement, Marc Hervieux offre un Brésilien plus grand que nature. Dès qu’il entre sur scène, il nous entraîne dans des airs endiablés aux accents sud-américains. Le petit accent latino qu’il donne à son personnage et son teint basané en font l’un des plus comiques de la production. En plus de nous offrir une voix riche, puissante et enjouée, Hervieux interprète son personnage avec tant d’habileté qu’on sent la fièvre de la salsa et de la samba nous envahir! Quel dommage qu’Offenbach n’ait pas écrit davantage de scènes pour le Brésilien. S’il avait vu l’interprétation qu’en fait Marc Hervieux, il y a fort à parier que le personnage aurait pu prendre plus d’importance!

Informations :
La Vie parisienne de Jacques Offenbach
Chef d’orchestre : Jean-François Rivest
Metteur en scène : Alain Gauthier
Baron de Gondremarck : Robert Huard, baryton-basse
Baronne de Gondremarck : Monique Pagé, soprano
Le Brésilien : Marc Hervieux, ténor
Métella : Nathalie Paulin, soprano
Gabrielle : Pascale Beaudin, soprano
Bobinet : Éric Thériault, ténor
Frick et Prosper : Hugues Saint-Gelais, ténor
Gardefeu : Patrick Mallette, baryton
Pauline : Judith Bouchard, soprano

Présenté les 14, 16 et 18 mai 2013 à 20h
Salle : Grand Théâtre de Québec (salle Louis-Fréchette)
Pour plus d’information : http://www.operadequebec.qc.ca/francais/vie-parisienne_dist.htm

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Une critique d'Émilie Rioux, chroniqueuse à Chéri(e), j'arrive!

      Débranchez votre esprit cartésien et ouvrez grand vos yeux et vos oreilles, car est maintenant venu le moment d’une autre manifestation merZienne signée Philippe Savard et son Club pour l’Amélioration de la Culture! Après Bain de MerZ, présenté à la Piscine Lucien-Borne dans le cadre des Chantiers du Carrefour, MerZsonaTe prend l’affiche à Premier Acte pour nous (re)plonger dans l’univers dada de Kurt Schwitters*.

      Ce spectacle hors du commun se décrit lui-même comme « objet théâtral insolite ». En effet, c’est le théâtre comme on le voit rarement : jubilatoire, exubérant et excessif. Un collage plutôt déroutant, où défilent des dialogues de chiffres, des chœurs de bruits et de mots improbables, des scènes loufoques teintées d’humour absurde et des personnages excentriques qui font par moments écho à ceux d’Eugène Ionesco. Ce sont de véritables sculptures sonores qui prennent forme sur scène : on joue avec la musicalité du langage, avec ses accents, ses syllabes, ses répétitions, alors que la signification profonde des mots « prend le bord ».

         Le tout s’enchaîne à merveille et les scènes se succèdent sans qu’on ne s’en aperçoive, avec énergie et rythme soutenus. Chapeau à la performance exceptionnellement délirante  des comédiens, qui se démènent du début à la fin de ce marathon merZien, dans un décor « casse-tête » en constante évolution. L’investissement et l’énergie déployée dans le jeu très physique et les chorégraphies quasi-caricaturales font du spectacle un bonbon autant pour les yeux que pour les oreilles. Cet univers est-il trop hermétique pour le spectateur moyen?  Au contraire, le public semble s’en délecter! Pour être contaminé par un rire qu’on ne comprend pas toujours et être témoins de ce qu’on ne voit pas tous le jours, ça vaut le détour!
 

* En 1919, Shwitters, rejeté par le Club Dada de Berlin, crée un mouvement artistique auquel il donne le nom de « merz », inspiré de la partie centrale du mot « Kommerzbank ».

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Critique d’Émilie Rioux, chroniqueuse à Chéri(e), j’arrive!

Avec toute la neige que nous a servi jusqu’à maintenant l’hiver, pas surprenant qu’on ait envie d’aller jouer dehors. Au grand bonheur des amants de la saison froide, c’est précisément la spécialité du Théâtre Sous Zéro, qui présente cette année La Guerre des Tuques, un conte pas pour tous, du 7 février au 3 mars, au Musée National des Beaux-arts du Québec.

Tout le monde la connaît, la Guerre des Tuques. On peut en citer les répliques, les scènes et même en énumérer les personnages. Mais qu’arrive-t-il lorsqu’on transporte ce film culte au théâtre, dans un banc de neige de la cours arrière d’un musée, avec Fabien Cloutier (Scotstown, Cranbourne) à titre d’auteur et de metteur en scène? On obtient une version remixée, adaptée « pour les adultes » où la bande d’espiègles qu’on connaît bien (Luc Chicoine, Sophie Tremblay, Ti-Guy La Lune et co.) ne sont plus des enfants, mais de jeunes adultes avec une famille, des responsabilités…et encore l’envie de jouer!

D’un côté de la fenêtre, les comédiens jouent dans la poudreuse, sous un éclairage minimaliste, équipés de micros. De l’autre, les spectateurs les observent, bien au chaud dans l’auditorium du musée. Malgré les cadres des fenêtres qui obstruent partiellement la vue, on adhère plutôt aisément à cette configuration théâtrale peu commune. Certes, la contrainte de la distance peut engendrer quelques problèmes techniques (notamment au point de vue sonore), mais somme toute, la régie s’en tire bien. Les spectaculaires rafales de vent qui soulèvent la neige - et parfois même le décor - en valent la peine!

Avec cette Guerre des Tuques 2.0, on a affaire à une comédie rythmée, où l’humour est absurde, frôlant souvent la parodie. L’histoire est la même, les personnages aussi, quoique leur discours ait quelque peu changé, pour laisser place à quelques gags plus modernes. Si ce nouveau texte fait plusieurs clins d’œil aux répliques et aux scènes typiques de l’œuvre originale - « La guerre, la guerre, c’est pas une raison pour se faire mal » - on les retrouve complètement déconstruite et reconstruite, pas toujours politically correct.

D’autre part, n’allez pas chercher la poésie ou le symbolisme dans l’arrière cours du MNBAQ. On a beaucoup misé sur l’idée du théâtre extérieur et sur l’aspect spectaculaire de la météo hivernale, en conservant une mise en scène très simple, sans dentelle, où les comédiens peuvent prendre toute la place et s’amuser au maximum. En résumé, la nouvelle Guerre des Tuques de Fabien Cloutier est un divertissement « quasi-famillial », qui réserve plusieurs surprises pour la mémoire des nostalgique. Une production qui a l’énergie du théâtre d’été… en suit de ski-doo.

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 «Une pièce vibrante. Qui exalte les corps». Telle est la phrase qui définit parfaitement le spectacle 73 Nord, présenté hier soir à la salle du Complexe Méduse de Québec. Ce spectacle dirigé par la chorégraphe et directrice artistique Chantal Caron, se compose de 7 artistes sur scène. Cette chorégraphe qui demeure et travaille à Saint-Jean-Port-Joli, puise son inspiration des oiseaux, du fleuve ainsi que des divers éléments de la nature qui se retrouvent et composent les rives du fleuve Saint-Laurent.

Par Alicia Beauchemin

Chantal Caron a créée son spectacle 73 Nord en représentant la quête difficile et remplie d’obstacles que les oies blanches vivent durant leur but ultime, soit atteindre le 73 parallèle au nord afin de réussir leur nidification. Le spectateur observe ainsi des danseurs imitant de façon très réaliste l’oiseau migrateur. On y croit réellement à ces grands volatiles. Beau et touchant. Le spectacle débute tranquillement, doucement, en dévoilant les artistes dansant face contre terre. Agitant un bras ou une jambe en groupe, le tout teinté de finesse et de minutie. Puis, le groupe de danseurs se déplacent sur scène, imitant la couvée de l’oiseau en passant par la naissance des petits et à l’éclosion des oisillons. Plus le spectacle avance dans le temps et plus la montée dramatique s’installe. On passe maintenant à l’évolution même du volatile, à l’opposition de la lutte de sa survie et de son accouplement. La musique et l’éclairage change, devenant plus intense, plus violent.

Le spectacle de Chantal Caron pousse davantage le genre en insérant des mouvements primitifs et saccadés dans la danse, ainsi que des bruits d’oiseaux poussés ici et là par les chorégraphes. Déstabilisant. Totalement. Oui, je l’avoue humblement, ceci m’a complètement déboussolé, moi simple spectatrice. J’ai été davantage ébranlé par les cris stridents que par les mouvements robotiques des danseurs. Je dirais même que les bruits m’ont plutôt choqués. Puis graduellement, plus le spectacle défile, plus on s’habitue à ces cris sourds qui rendent la pièce davantage réaliste. 73 Nord, s’avère une pièce teintée de réalisme précis, compté. En fait, je crois que c’est ceci qui m’a totalement désorienté, voir les danseurs imiter l’oiseau avec perfection. Le spectacle demeure extrêmement riche par la qualité de la recherche que Chantal Caron a entrepris pour produire son œuvre, 2 ans de recherche et d’expérimentation lui on fallu pour construire 73 Nord. Et c’est cette particularité qui intensifie la beauté de la pièce, la réalité qui colle à la peau des danseurs s’avère incroyable. La pièce 73 Nord éblouit l’auditoire tant par la précision des mouvements que par ses contrastes violents et provocateurs que les danseurs utilisent pour construire le spectacle.

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73° NORD
FLEUVE | ESPACE DANSE / Chantal Caron / Saint-Jean-Port-Joli / Sept artistes sur scène

17.18.19 JANVIER 2013 / 20 H / 60 min
MÉDUSE - SALLE MULTI

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 Début novembre, je me rends dans un commerce acheter ce que j’avais besoin. Je ne porte pas mon manteau d’hiver, mais la température n’est pas très chaude. En entrant dans le magasin, j’ai la surprise d’entendre une pièce du temps des fêtes… Chaque année c’est la même tradition, il n’y a pas de manteau blanc, mais il fait très froid. La radio crie différentes chansons parlant du pôle Nord et de l’hiver.

Sufjan Stevens sortait la semaine dernière un album de Noël.

Ce sera probablement un must pour tous les fanatiques d’indie, puisque le musicien originaire de Detroit nous plonge dans sa complexité musicale et parolière depuis maintenant plus de 10 ans. Après plus de 11 albums, il nous propose une compilation de reprises pour le plus beau temps de l’année. Sufjan Stevens a toujours su nous plonger dans un univers différent de ce qu’on a l’habitude d’entendre, mais en gardant en tête de rester dans l’accessibilité. Il relève à nouveau ce défi en nous proposant Silver And Golde.

Certaines pièces que nous avions l’habitude d’entendre sont toujours agréables pour notre écoute. Par exemple, Ave Maria, qui est transformé en une version polyphonique. Quelques reprises sont semblables à celles que nous avions l’habitude d’entendre, par contre d’autres sont plus recherchées. La version plus dramatique de Let it Snow fait partie des remaniements les plus complexes de l’œuvre de Sufjan Stevens.

C’est en pataugeant entre sons étranges, musique traditionnelle et folk que se tisse Silver And Gold. Les amants du temps des fêtes se réjouiront de ce bijou musical, tandis que ceux qui détestent le Père-Noël auront peut-être une certaine difficulté à se laisser emporter dans la magie de cette musique.

Les œuvres de ce genre annoncent souvent la fin de la carrière d’un musicien, sauf que Sufjan Stevens sort encore une fois des sentiers battus en relevant le défi de produire un album différent de ce que les artistes composent fréquemment.

Antoine Fortin

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C’est devenu une vraie religion pour les fanatiques d’électro déjanté, mais également une attente interminable pour ceux qui aiment les pionniers du genre. À chaque fois où Crystal Castle annonce la sortie d’un nouvel album, je sens l’impatience grandir en attendant le mardi qui sera le dénouement à mon sentiment hâtif.

L’écoute de Crystal Castle III se déroule dans la même trame que les deux premiers opus. On reconnaît ce qui a poussé le duo torontois au sommet au cours des quatre dernières années. C'est-à-dire, une panoplie de sonorités étranges, un mélange entre les vieilles bandes sonores de Super Nintendo et une complexité musicale ahurissante.

On retrouve encore une fois maintes expérimentations musicales. Dans la pièce Pale Flesh, c’est une ressemblance avec une instrumentation hip-hop mélangée avec une voix agaçante. Dans le morceau suivant, on se retrouve plongé dans une trame sonore digne d’un film d’action.

Après les trois albums d’Alice Glass et de son compagnon Ethan Kate, on se demande si ce n’est pas le mode de vie de drogué qui pousse la jeune femme à écrire des textes dérangeants et de créer une musique timbrée. Il ne faut pas oublier qu’Alice a quitté son nid familial dès l’âge de 14 ans pour aller se réfugier dans une communauté punk ne vivant que pour la drogue.

Crystal Castle III se place au sommet des albums électroniques à se procurer au plus vite. Ceux qui ont aimé les deux premiers volets ne seront pas déçus. Sinon, préparez-vous pour un voyage hors du commun.

Antoine Fortin

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 Par Antoine Fortin

C’est dans un univers de détente que j’ai entendu pour la première fois Chad Valley. C’est le projet solo de Hugo Manuel, qui nous vient directement d’Oxford au Royaume-Uni, que je critique cette semaine.

Premièrement, le son electro-pop de Chad Valley ne ressemble aucunement aux autres artistes de la branche. Lorsqu’on parle de ce genre musical, les groupes comme Passion Pit, Bombay Bicycle Club ou MGMT nous viennent en tête. Young Hungers nous propose une trame électronique planante et relaxante, rien d’agressant. Même si certaines pièces sont parfois plus riches en sonorités, la musique ne persécute pas l’auditeur en l’encombrant de trop de sons. Les nombreuses collaborations de l’œuvre augmentent l’agrément lors de l’écoute de l’album. Par exemple, nous pouvons reconnaître la voix de Twin Shadow dès la deuxième pièce de l’album, un peu plus loin, c’est au tour de Totally Enormous Extinct Dinosaurs de contribuer à un morceau.

En nous plongeant dans un monde électronique différent de ce que Two Doors Cinema Club propose, Young Hungers saura vous faire taper du pied, mais également vous border dans vos siestes de l’après-midi.

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Madonna est débarquée pour la première fois à Québec samedi dernier sur les Plaines d’Abraham devant une foule de 75 000 personnes.

La soirée a commencé vers 20h30, lorsque Paul Oakenfold nous a offert un « Dj set » honnête et dansant à souhait. Il a su réchauffer la foule grâce à des succès souvenir comme Sweet Dream ou Song 2 de Blur, mais l’auditoire ne semblait pas très réceptif aux succès du top 40 que Paul nous a poussé en version techno/transe. Il faut dire que la moyenne d’âge de la foule était beaucoup plus élevée que ce que je m’imaginais et était majoritairement composée de gens ayant vécu leur adolescence dans les années 80.

Ce n’est qu’une heure et quart après Paul Oakenfold que Madonna a finalement fait son apparition. Il était clair que l’auditoire commençait sérieusement à s’impatienter, surtout ceux qui étaient dans les zones d’attentes depuis plus de 12 heures. La reine du pop a débuté avec quelques pièces plus récentes (Girl Gone Wild, Revolver, Gang Bang) avec une mise en scène digne d’un film policier américain. Les images violentes, les coups de fusil et le sang giclait à flot sur les écrans géants qui servaient de décor à la scène gigantesque. C’est à une Madonna mature et sans tabou auquel on avait droit. Zéro doute là-dessus.

La majorité des pièces du spectacle étaient tirées du dernier album MDNA (Il fallait s’en attendre!). À la déception des fans des vieux classiques, Madonna n’a fait que 7-8 chansons de son répertoire plus ancien sur 22 chansons. Je crois que c’est là la plus grande déception des gens. Et en plus d’en interpréter que quelques-unes, elle nous les proposait dans des versions revisitées (Like a Virgin version cabaret voix/piano, par exemple ou Open Your Heart dans un style percussion africaine). Parfois, il me fallait même un bon 2 minutes avant de réaliser quelle chanson elle interprétait.

Madonna a terminé son spectacle avec Like a Prayer (accompagné d’une chorale d’environ 50 chanteurs) et suivi de Celebration (tiré de la compilation paru il y a quelques années). Une finale colorée qui ne nous laissa pas sur notre appétit.

Malgré les critiques mitigées du spectacle, je dois avouer que j’ai passé un excellent moment. Je n’avais pas d’attente et je crois que ça a joué à mon avantage. Je n’avais jamais vu un spectacle d’une telle envergure dans ma vie. C’était un peu comme assister à la projection du dernier blockbuster de Jerry Bruckheimer : tu sais que ce n’est pas parfait, mais l’immensité, le budget, le souci du détail sont tellement impressionnants qu’il est impossible de rester indifférent. Un plaisir coupable.

Moment fort : Les pièces Revolver et Gang Bang supportées par les projections sublimes me rappelant l’introduction du film « The Girl With The Dragon Tatoo » de David Fincher.

Moment faible : I’m a Sinner. Probablement une des pièces les moins intéressantes du dernier album de Madonna.

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