Insomnie

Entre rêve et réalité

Par Mélissa Paradis

« Le doute… » Ces premiers mots, qui ouvrent la pièce Insomie, sont à l’image même de cette œuvre. D’une part, il y a des personnages qui doutent, de l’autre, des spectateurs qui… doutent. Car, qu’est-ce que la vie quand celle-ci ne mène nulle part? Et qu’est-elle pour le spectateur confronté à des épisodes balançant entre rêve et réalité? Le tout, rendu possible grâce à la mise en scène de Michel Nadeau.

Gwen et John vivent une relation amoureuse tumultueuse et tourmentée. Ils ne se comprennent pas. Même la naissance de leur premier enfant ne semble pas pouvoir dissiper la distance qui les sépare. Et quoi de mieux que l’arrivée d’un couple parfaitement heureux pour leur rappeler que tout va mal? C’est ainsi que le frère de John, William, et sa femme Kate débarquent chez le couple au bord du précipice.

Aux premiers abords, la pièce semble manquer de rythme. On se demande dès ses débuts où elle peut bien mener. On est toutefois rapidement transporté dans une certaine folie. Et que dire de la fin. Une fin qui justifie les moyens. En effet, la pièce est tissée de manière si ingénieuse que son climax est efficace.

Les décors, simples, servent bien la pièce. Tantôt un sofa, tantôt une table, mais aucun artifice. Le strict minimum. Car l’essentiel, ce sont les comédiens en soi, et leurs angoisses. Et ces angoisses sont aussi bien rendues par la musique que par les bruits ambiants.

La pièce est également illustrée par un jeu de lumière approprié. Celui-ci sert aussi bien les épisodes de réalité que de démence. Il illustre aussi le temps qui passe. Un temps qui se joue bien des gens.

En n’ayant recours qu’au strict minimum, les comédiens avaient tout intérêt à être à la hauteur. Une mission accomplie dans son ensemble. Soulignons par ailleurs le jeu fantastique de Valérie Laroche en Gwen frustrée et désoeuvrée, mais aussi celui de Normand Bissonnette en William assuré, voir arrogant. À la limite de la caricature, mais un personnage assumé. Nicola-Frank Vachon aurait toutefois gagné à être un peu plus subtil.

Insomnie
Dans une mise en scène de Michel Nadeau
À voir jusqu’au 6 mars, au Théâtre Périscope

http://www.theatreperiscope.qc.ca/
 

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Retour sur « Copyright humain – Une exposition sur la pensée »
20 février 2010

Au Musée de la Civilisation, du 25 novembre 2009 au 6 septembre 2010, est présentée une grande exposition-réflexion sur la pensée. Son nom : Copyright humain. Cette exposition est une pure création du Musée, présenté par le Centre de recherche Université Laval Robert-Giffard, avec la collaboration de la Fondation du Musée de la Civilisation et Le Soleil, et en partenariat avec Alcoa.

La pensée. Notion abstraite qui fait réfléchir!

Mais d’où vient la pensée? Quand s’est-elle développée? Quand s’est-elle extériorisée? A-t-elle laissé des signes, des symboles? Les grands singes pensent-ils? Et les premiers homos sapiens? La pensée est NOTRE copyright, le copyright humain!...

Avec cette mystérieuse exposition, le Musée de la Civilisation nous fait reculer dans une ère d’il y a plus de deux millions d’années en nous présentant plus de 220 objets historiques et scientifiques de toutes sortes : fossiles, cranes, os, poteries, statuettes, tranchoirs, pierres taillées (silex), instruments chirurgicaux, manuscrits, instruments inusités, etc. On peut y voir également des toiles artistiques – deux ont même été faites par des chimpanzés dans les années 1950 à Londres et ils sont incroyablement réussis – des objets et commentaires scientifiques ainsi que des écrans interactifs et des extraits de films. On y présente aussi des monologues de penseurs comme Albert Jacquard, Marie Laberge, Hubert Reeves, Thomas De Koninck, et plusieurs autres.

De l’homme de Cro-Magnon à l’intelligence artificielle, le long parcourt nous fait comprendre l’importance de l’expansion du cerveau, de l’évolution de l’espèce ainsi que le développement de la pensée, du langage, de la symbolique et de la créativité humaine.

Le Musée innove une fois de plus en nous présentant une visite de l’exposition par Internet sans fil pour un trajet commenté. Au coût minime de 2$, des iPod Touch sont prêtés à l’entrée et nous suivent vocalement et visuellement tout au long du parcours historique. Des explications et démonstrations pertinentes nous sont données au fil des différentes sections. De plus, le Musée nous offre ces narrations explicatives directement sur son site web ainsi que des « tests de la tache d’encre ». Allez visiter le site!

Ateliers et spectacles font aussi partie du programme. Des activités à caractère scientifique sont destinées aux plus jeunes durant toute la programmation de l’exposition. De plus, quatre conférences de spécialistes du Centre de recherche Université Laval Robert-Giffard nous livre ses recherches en la matière : L’histoire du cerveau : 30 000 ans au service de la pensée par le Dr. André Parent (19 janvier 20h), 100 milliards de neurones : un voyage fantastique au cœur de votre cerveau par Paul De Koninck(3 février 20h), Lumière sur le cerveau : une question de rythme ou d’humeur par le Dr. Marc Hébert (17 février 20h), La dérive de la pensée chez l’enfant, quand la recherche donne espoir aux parents par le Dr. Michel Maziade (17 mars 20h).

« Par la pensée, l’humain devient un animal culturel! Rien ne peut être produit s’il n’a été préalablement pensé! »

Cynthia Labonté
Horaire : Jusqu'au 23 juin 2010, du mardi au dimanche de 10 h à 17 h
Où : Musée de la civilisation
85, rue Dalhousie
Québec (Québec)
G1K 7A6
Téléphone : 418-643-2158
Site web : http://www.mcq.org/copyrighthumain
Courriel : mcqweb@mcq.org
Quand : du 25 novembre 2009 au 6 septembre 2010
Coût : Adulte 11$
Étudiants 8$ (avec carte)
 

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Critique de À table en Nouvelle-France d’Yvon Desloges

(Québec, éditions du Septentrion, 2009, 240 p.)

Tant pour ses recettes que pour les informations qu’il offre sur l’alimentation au XVIIe et XVIIIe siècles, ce livre se révèle fascinant. On déboulonne certains mythes (pensons seulement aux colons français qu’on soupçonne à tort d’avoir adopté les habitudes alimentaires des Amérindiens), explique l’origine de certains goûts tel que celui pour le sucre qui s’implante avec l’arrivée des Anglais et comment des aliments aujourd’hui fort répandus se sont imposés en Nouvelle-France.

C’est donc un livre à acheter, ne serait-ce que pour se faire une idée de ce que pouvait manger nos ancêtres et essayer les recettes – délicieuses d’ailleurs – de cette époque.

Alex Tremblay, chroniqueur

Mardi prochain à la chronique Historique d'Alex Tremblay : Le Boréal Express, Journal d'histoire du Canada (1524-1760) de Gilles Boulet, Jacques Lacoursière et Denis Vaugeois.

Écoutez Chéri(e), j'arrive! du lundi au vendredi 16h à 17h30!

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Combats, jalousie, trahison, manipulation, meurtre et sexualité. Décidément, tous les ingrédients salés sont réunis dans cette pièce épique signée Marie-Josée Bastien (adaptation, mise en scène) pour éprendre le public de La Bordée. Adapté du roman d’Alexandre Dumas (Les Trois Mousquetaires, Le Comte de Monte-Cristo, etc.), La Reine Margot dresse un portrait cynique d’une France déchirée par les guerres religieuses et menée par la sournoise dictature de la mère de Charles IX, alors Roi de France.

Pour calmer les tensions religieuses, le Roi organise des noces entre sa sœur catholique, Marguerite de Valois, et un protestant, Henri de Navarre, futur Henri IV. Prisonniers bien malgré eux de ce mariage d’intérêt, les deux se vouent toutefois un respect mutuel et indéfectible, Marguerite allant jusqu’à plaider pour la vie d’Henri lors du massacre des huguenots ordonné par le Roi sous l’influence de sa mère. Pendant que les deux autres fils convoitent lâchement le trône de Charles IX, Henri de Navarre fait de celui-ci son allier, un rapprochement que la mère voit d’un mauvais œil. Par tous les moyens, elle tentera d’éliminer Henri qui risque d’hériter du trône de France, alors que Charles IX se débarrassent de ses frères par des mariages d’intérêts dans d’autres royaumes.

Dès les premières scènes, on nous met rapidement en contact avec les différentes rivalités et on lève le voile sur certaines rumeurs de complots tus. La Reine Margot s’annonce dès lors comme une fresque historique passionnante où ambition et trahison gouvernent sur tout sentiment noble. Malgré la durée imposante de la pièce (2H30), celle-ci trompe le temps grâce au rythme presque essoufflant auquel s’enchaînent les scènes aussi percutantes que brèves. Mais il n’y a pas que le texte qui impose ce rythme; la musique tragique et saccadée qui masque les changements de scène amplifie également cette illusion temporelle.

Bien que souvent majeurs, les changements de scène sont très fluides et mettent de l’avant le talent de la metteure en scène qui utilise tout l’espace disponible d’une façon intelligente et bien dosée. Sans l’ombre d’un doute l’une des qualités premières de la pièce, l’esthétisme est apporté par les costumes d’époque revisités au goût du jour par Sébastien Dionne, mais aussi par les éclairages toujours à point de Sonoyo Nishikawa, qui ajoutent très certainement à l’intensité de l'oeuvre.

Le jeu des acteurs rend tout autant justice à l’œuvre de Dumas. Un texte bien en bouche, brillamment livré, même si parfois surjoué, fait prendre forme et vie à un texte somme toute quelque peu lourd par moment. On remarquera en particulier le jeu précis et senti de Guillaume Perreault (La Mole) et de Marie-Soleil Dion (Henriette de Nevers), tous deux transcendants. Preuve du talent des acteurs mais aussi de la metteure en scène, les scènes de combat à l’épée, peu crédibles et bien souvent risibles au grand écran ainsi qu’au théâtre, paraissent tout à fait plausibles et s’emboitent parfaitement au récit.

Si la pièce n’a que peu d’écho sur la société actuelle et n’ébranlera aucune de vos valeurs, La Reine Margot s’inscrit comme un divertissement efficace, une partie de plaisir qui se savoure comme un Shakespeare des mieux livrés. Incontournable.

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*La Reine Margot est présenté à La Bordée jusqu’au 6 février prochain.

Pour plus d’Informations : http://bordee.qc.ca/
 

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-par Caroline Auclair-Daigle

Quoi de mieux pour bien célébrer l’arrivée de l’hiver que de braver la tempête pour une représentation fort attendue de la troupe montréalaise Rubberbandance Group. Cette compagnie se produisait, au Grand Théâtre de Québec, le mercredi 9 décembre au soir sur la scène de la Salle Crémazie, intégrant une variété de styles de danse au gré de la soirée: du hip-hop, du break dancing, du classique, du contemporain.

Victor Quijada, qui a d’abord passé le début de sa vie à flâner dans les quartiers flamboyants de Los Angeles et de New York, a initialement développé un intérêt grandissant pour la dance qui allait éventuellement devenir son métier. Son intérêt  c'est porté sur cet art du mouvement, d’abord dans les ruelles américaines puis, grâce à cet engouement soutenu, auprès des grandes écoles de danse. C’est en puisant dans son bagage personnel que Victor Quijada se met alors à imaginer et chorégraphier des danses contemporaines à l’allure axée sur une vision moderniste de cet art. Le chorégraphe et interprète a par ailleurs initialement été élève à l'école supérieure de danse du Québec avant de passer aux planches de l'École nationale de ballet pour ensuit devenir l’enfant chéri actuel de la danse contemporaine à Montréal.

En étroite relation et collaboration Anne Plamondon, le duo assure avec ardeur la direction artistique du groupe, venant pour la pièce Punto Ciego offrir une sorte de création hybride dans laquelle les états d’esprits dénudés et les mouvements corporels à l'état brut composent avec l'esthétisme tel que représenté dans le monde contemporain ainsi que puisé au sein d’un base classique en danse. Punto Ciego cherche à manier les perceptions avec une intensité telle qu’il en devient flagrant que ce que l'œil perçoit ne correspond pas assurément, et toujours, à la réalité propre.

Fortement acclamé partout où il frôle les planches de scène depuis sa fondation en 2002, le groupe montréalais Rubberbandance Group est innovateur et rafraîchissant, se taillant une place à titre de groupe pionnier en son genre. Avec cette nouvelle pièce Punto Ciego, un création artistique qui rassemble tous les six danseurs – 3 danseurs + 3 danseuses, de la compagnie. Quijada et Plamondon fusionnent la dextérité du breakdance, l’énergie urbaine du hip-hop et l’élégance fluide du ballet classique, fracassant les barrières entre les genres et en expérimentant un travail scénique qui entremêle danse, théâtre et nouvelles technologies, -pensez effets stroboscopiques sur scène. La thématique première de cet œuvre consiste en la relation que nous entretenons à l’égard de la célébrité et de la montée incessante de l’attrait pour la pop star, considérant cette soif inassouvie de devenir célèbre, omniprésente dans notre über-société.

Les deux co-directeurs artistiques défendent comme quoi l'image est constamment en mesure d’être manipulée. La pièce vient par ailleurs critiquer l’archétype du Star système, qui veille incessamment à formuler une image tout faite pour véhiculer un message pré-mâché insipide. La pièce est composée d’une panoplie de segments de durée diverse, proposant une entrée en la matière qui recherche à rompre le quatrième mur qui divise les artistes de son audience, sous la forme d’un talk-show bien en règle. En second lieu, quatre danseurs s’intègrent à la scène pré-établie, et la formation explore, un peu selon les méthodes prônées par l'écrivain Milan Kundera, à une continuité de sketch de danse sans lien apparent, quoique, dans l’enceinte de la Salle Crémazie hier soir, tout a bien fini par prendre un certain sens au final.

La profondeur du travail repose sur un idiome éminemment personnel et dynamique et dans chaque cas la gestuelle est explosive et, cependant, d’une étonnante légèreté. Quijada peut compter sur des danseurs qui comprennent ce qu’il veut exprimer. Punto Ciego donne place à l'expression d'une identité perdue et, plus largement, s'ancre dans l'expérience humaine. Le chorégraphe et sa compagnie se situent aux avant-postes mêmes de la danse moderne, créant un lien viscéral et chargé d’émotion avec leurs auditoires.

Surprenants, gracieux et intrépides, l’ensemble des six artistes charismatiques accomplis vrilles sur la tête, flares, freezes et autres acrobaties avec une aisance assumée, alors que le public ne détecte aucune difficulté apparente. Alliant l’instinct théâtral aux qualités athlétiques et à la grâce un sens de l’humour désaltérant, le Rubberbandance Group signe ici une pièce débordante de talent et d'énergie. Une danse étourdissante, fusion ardente pour contrer les grands vents dehors ! 

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Écoutez la chronique "La Biblio de Clo"

les Jeudis 17h00, aux deux semaines à Chéri(e), j'arrive!

Prochaine chronique: 10 décembre - Noémie

Noémie – Le secret : Tibo au cinéma familial

Décidément, grand-maman Lumbago devra outrepasser sa hantise de l’objectif, car sa petite « Noémie fait son cinéma », sur papier comme sur pellicule! Parmi plus de trois cents personnages que l’écrivain Gilles Tibo a imaginés, souvent dessinés, et toujours aimés, il choisit l’intrépide Noémie pour vedette de l’automne littéraire! Sa présence dans la rafraîchissante autofiction Moi, Noémie et les autres (hors série), doublée d’une 19e aventure romanesque intitulée Noémie fait son cinéma, aura comblé ses fidèles lecteurs en 2009. Pourtant, cette année, l’héroïne chouchou des sept ans et plus ne se contente plus des livres : elle prend vie au grand écran dans le film familial Noémie – Le secret.

Le scénario du long métrage québécois s’inspire des quatre premiers romans de la série signée Gilles Tibo. Noémie entame une véritable chasse au trésor dans l’appartement de sa voisine d’en haut, Madame Lumbago, qui s’avère une gardienne accommodante et bienveillante. Sa quête est motivée par les indices excentriques que lui a laissés le défunt Monsieur Lumbago au sujet d’un trésor caché chez lui. Les recherches de la curieuse Noémie et de son fidèle ami Francis déboucheront sur plus d’un secret concernant le monde des adultes.

Deux parties bien distinctes structurent l’histoire de Noémie – Le secret et déterminent les deux volets de cette critique mi-négative, mi-positive. La première correspond à la chasse au trésor, véritable avalanche de péripéties qui se termine au milieu du film. La trame ici développée très rapidement – peut-être trop – possède bien la qualité de capter l’attention des petits grâce à ses multiples rebondissements, mais elle demeure superficielle. De plus, cette esthétique rythmée mais expéditive donne lieu à un jeu inégal, peu senti et théâtral chez les deux actrices principales, Camille Felton (Noémie) et Rita Lafontaine (Madame Lumbago). Un obstacle de taille à la crédibilité des personnages et au réalisme de leur relation privilégiée.

Mais la tendance s’inverse lorsque, une fois le trésor en espèces découvert, l’intrigue enfantine tourne à la comédie familiale. S’enclenche alors une quête identitaire plus profonde et beaucoup plus fascinante autour de Madame Lumbago qui réserve de bouleversantes surprises à Noémie. Paradoxalement, ce ralentissement de la trame donne une impulsion bienvenue au scénario qu’on est soulagé de voir enfin approfondi. Peut-être mieux inspirées par le mystère que par le rocambolesque, les actrices Felton et Lafontaine livrent les performances convaincantes et touchantes que le public attendait; se joint à elles une Marina Orsini (Jeanne) plus belle, plus nuancée et plus charismatique que jamais, dans son rôle de mère préoccupée mais sensible.

Il s’agit donc d’un divertissement familial qui répond aux attentes qu’il a suscitées, mais qui ne porte aucune marque de singularité artistique. La réalisation impersonnelle de Frédérik D’Amours liée au scénario chargé de Marc Robitaille contente, mais n’émerveille pas. De surcroît, il est à noter que quelques images inutilement horrifiantes captées dans le grenier de Madame Lumbago effrayeront probablement les enfants de moins de huit ans. Cependant, par sa fidélité à l’univers à la fois doux et mordant de Gilles Tibo, Noémie – Le secret remplit sa mission : combler de plaisir le cœur des petits et des grands, comme un beau cadeau de Noël.

À voir sans snobisme à partir du 11 décembre 2009.

www.noemielesecret.com

Claudia Raby

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Une production du Théâtre Le Clou présentée au Théâtre jeunesse Les Gros Becs, du 1er au 5 décembre.

Pourriez-vous croire que les voix grinçantes de quatre dramaturges adolescents sachent vous réjouir dans une harmonie d’une heure et quart? Si vous demeurez sceptiques, vous serez confondus par le spectacle issu du Concours d’écriture de contes zurbains, intitulé Les Zurbains 2009. Dans ce déstabilisant amalgame du beau et du macabre, s’exhibent les talents que verra grandir la scène théâtrale de demain. Les quatre lauréats des écoles secondaires de Québec, Montréal, Toronto et Ottawa lèguent leur audace à cinq comédiens professionnels, dont la mission consiste à rendre justice à l’intensité que dénotent les textes des jeunes auteurs.

Leurs plumes, intimement liées entre elles par leur candeur, se révèlent extrêmement sensibles et profondes. Si Alexandre Poitras (L’écrivain, Québec) s’amuse avec ironie de la fougue meurtrière de son écrivain en panne d’inspiration, Théo Brière (AB négatif, Montréal) explore la vie secrète d’un jeune profanateur de tombeaux avec la lunette de l’indifférence; alors que Felipe Richards (Bah! Vivre un peu, Toronto) fouille d’un ton blasé les contradictions des lois qui régissent les comportements humains, Andréanne Plouffe (La rencontre, Ottawa) — qui signe notre texte coup de cœur — caresse le rêve d’un amour naissant entre un jeune raciste maladroit et celle qui deviendra sa première muse, la très Noire Zara.

Choquants, les contes zurbains? Plutôt audacieux de grincements!

Malgré les multiples dénominateurs communs, le défi de la réunion de ces voix toutes uniques en une pièce cohérente n’en était pas moins colossal. La metteure en scène Monique Gosselin, du Théâtre Le Clou, le relève adroitement, évitant le piège de la présentation de sketches en série par l’exploitation complète de l’espace scénique, l’utilisation judicieuse de la musique, et surtout, le découpage textuel qui crée un amusant crescendo dans la folie meurtrière de l’écrivain de Poitras.

Seule tache grise dans ce tableau haut en couleurs : le cinquième monologue signé Isabelle Hubert, une auteure professionnelle qui a supervisé avec d’autres le stage de réécriture dans lequel se sont engagés les apprentis-dramaturges. Sa pièce intitulée Les étiquettes traite des thèmes amplement exploités des préjugés, de la drogue, de la confiance en soi et de l’amour chez les adolescents. Rien à voir avec les pièces percutantes des lauréats du concours! Devant l’originalité de leurs quatre textes, nous remettons en question la pertinence de cette incursion professionnelle dans ce grand tout déjà excellent.

 Les Zurbains 2009 prouve non seulement le potentiel des jeunes écrivains pour le théâtre, mais souligne avant tout leur talent littéraire et artistique empreint de dérision, de tendresse et de fougue… d’adolescence, quoi!

Représentation pour le grand public et rencontre avec les artistes le 5 décembre 2009 à 19 h.

Critique par Claudia Raby
 

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Jeune créateur à tout jamais de musique pop haute couture qu’est Jean Leloup, le roi de la prose a su nous plonger littéralement dans le bain de grandes manœuvres mélodiques d'une richesse infinie vendredi soir dernier à l’Impérial de Québec. Anti-nostalgique notoire, on a eu droit à du vrai de vrai Leloup hardcore authentique, à son meilleur.

Figure de proue d'un monde contestataire et décomplexé, l’auteur-compositeur signe son retour sur scène avec un impressionnant dernier album -Milles Excuses Milady-, première tournée suite à sa sortie en avril 2009.

J’aimerais bien passer sous silence son dernier passage dans la vieille capitale, surtout considérant la panoplie d’opinions diverses qui ont été énoncées et publiées à cet effet, mais bon, mentionnons seulement que les appréhensions ont vite été dissipées lorsque Leloup, entouré de ses copains musiciens à l’allure fort cool, s’est pointé sur une scène on ne pourrait plus épurée, avec une sono impeccable. L’emphase était tout à fait mise sur la musique, et il importe ici de noter la qualité impressionnante, -surprenante ?-, du son dans l’enceinte de l’Impérial. La magie ne pouvait qu’opérer : l’Artiste était assurément dans son élément, dans sa tête, dans son monde, et s’il y a monde captivant à mes yeux, c’est bien le monde qui semble se dérouler dans l’enclos cérébral de ce Jean aux multiples idées et à l’imagination sans borne. Leloup persiste à indubitablement marquer son époque; il fut d’ailleurs un temps dans un autre siècle où le chanteur et compositeur offrait les plus belles mélodies du pop-rock-folk franco des années 90 dont les airs résonnent encore dans toutes les têtes planantes de ses adeptes …

Le public, fébrile et bien ouvert à se faire mettre de la musique plein les oreilles, entretenait une attitude plus qu’accueillante pour un Jean Leloup toute en forme et tout en noir pour l’événement. Généreux de sa vibe pour lequel on le connaît si bien, notre montréalais préféré (du moins, le mien…) a su en mettre plein la vue à un auditoire qui en redemandait toujours davantage. L’énergie de la foule y était certes pour quelque chose, Le Grand (Méchant ?) Loup se ravissant d’un public accrocheur, enchanté, et fort tissé.

Manifestement faite de sons échantillonnés provenant de diverses chansons sélectionnées, la musique rappelle par moments la vastitude des ambiances fabriquées d’un Jean Leloup non seulement bien ressuscité, mais aussi raffiné, auxquelles se mêlent ici ou là des bribes de musique instrumentale, le tout immergé presque de bout en bout dans une continuité de riffs de guitare qui donne l’impression d’être sur un immense navire en perdition. Quelques pièces, en particulier l’exquise -La Chambre-, s’abandonnent au diktat du rythme blues dérivant même un peu sur le reggae, ce qui, il est vrai, rappelle que l’on est quand même dans une musique composée dans la tête de Jean Leloup.

Toute une œuvre vendredi soir dernier, frôlant même l’électroacoustique par moment, un constant mouvement sonore qui a su élaborer une ambiance complètement surréaliste et par moments aquatiques tellement les transitions étaient maîtrisées. Parfois, les paroles quasi chuchotées de l’auto-proclamé Johnny Guitar nous ont entraîné dans un flot sonore envoûtant et irrésistible comme pour la sublime pièce –Recommencer- offerte en finale acoustique, avec un Jean Leloup fier et bien contenu, seul devant ses admirateurs émerveillés. Un plancher de scène dépourvu de tout fla fla et autre superflu, il n’en fallait pas plus pour que Leloup règne à la hauteur de son charisme, faisant usage de son persona comme personne d‘autre sur terre n’arrive à le faire.

Un coup de chapeau s’impose pour les trois musiciens qui accompagnaient Leloup dans cette courte mais oh combien intense tournée. Et vendredi soir, le mérite repose tout particulièrement sur le bassiste Charlie Yapo ainsi que sur le batteur Alain Berger, qui formaient une section rythmique solide, rehaussant régulièrement les chansons d’un groove rappelant celui du dub.

Aurait-il enfin touché les anges, notre Jean Leloup idolâtré ? Possible si on a écouté son dernier album, véritable opus trempé d'émotions et affublé d'une production de haute volée, et encore plus si on a eu la chance d’assister à ses récentes prestations –live- d’un calibre jamais auparavant atteint. Une prestation qui a su surpasser toute attente émise au préalable, un Jean Leloup hyper motivé et au sommet de son art; si telle est la résurrection, allez je suis prête, j’ai assez vécu.

*Spectacles additionnels en janvier, à Montréal, Trois-Rivières et Chicoutimi. Parmi les mieux investis cinquantaine de dollars que vous n’aurez jamais dépensés.
 

Critique par Caroline Auclair-Daigle

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